Les 100 plus grandes chansons de heavy metal de tous les temps

Par Pierre roulante

Des milliers d'années après les âges du bronze et du fer, le véritable âge des métaux a commencé il y a un demi-siècle. En 1970, Black Sabbath évoquait de manière convaincante la véritable essence du mal avec le lourd riff de guitare à trois accords de la chanson "Black Sabbath", consacrant le premier broyeur de heavy-metal pur, et les ondulations se sont propagées avec virulence depuis. Judas Priest a écouté les mélodies sombres et irrégulières de Sabbath pour créer leurs propres mini-épopées complexes et enfreignant la loi, Metallica a accéléré les tempos de Priest pour donner des coups de fouet aux headbangers, des bandeaux pour les cheveux comme Mötley Crüe et Quiet Riot ont rehaussé la musique pour MTV, et des mutants nu-metal comme Korn et Slipknot lui ont donné un côté sombre post-alt-rock et hip-hop. Dans le même temps, ses vrais partisans ont créé des ramifications mondiales extrêmes comme le death metal, le doom metal et le black metal.

Au cours de ces cinq décennies et plus, les fans de métal ont adopté les chansons du genre comme des déclarations intenses d'individualité. Pour être un métalleux, vous rejetez la normalité, vous êtes prêt à croire en vous et à visiter votre côté obscur parce que vous savez que les décibels étouffants et les paroles agressives sont le creuset dans lequel vous ressentez quelque chose de nouveau et d'unique. Des années éloignées de ses grondements initiaux, le métal est maintenant une force culturelle. Au fil du temps, le heavy metal a dominé les charts pop, a servi de base à des films à succès, a sauvé la mise dans des émissions de télévision et a même signalé la prospérité dans le monde entier.

Ce que des millions de fans à travers le monde ont compris, c'est qu'une bonne chanson de métal vous transporte. Au milieu des tambours assourdissants et des voix grondantes, la mélodie métal idéale évoque le pouvoir, la résilience et même l'espoir. Là où les oreilles moins cultivées n'entendent que le bruit et la rage, les métalleux reconnaissent la nuance. Une chanson comme "Fade to Black" de Metallica, par exemple, vous aide en fait à échapper à votre obscurité personnelle plutôt qu'à l'encourager. Le métal a toujours consisté à surmonter la peur et à trouver une communauté parmi des parias partageant les mêmes idées. C'est une question d'unité.

Le groupe de headbangers que Rolling Stone a réuni pour classer les 100 plus grandes chansons de heavy metal de tous les temps a débattu des mérites de plus de 300 chansons valables pendant plusieurs mois. Ces personnes comprennent des écrivains et des critiques qui écrivent pour Rolling Stone depuis des décennies et des contributeurs à des publications axées sur le métal. De nombreux électeurs de la liste ont contribué à la liste des meilleurs albums de métal de RS il y a quelques années.

Cette fois, nous avons discuté des premières chansons de métal remontant à la reprise assourdissante de "Summertime Blues" de Blue Cheer à travers des classiques instantanés récents comme "Executioner's Tax (Swing of the Axe)" de Power Trip. Et tout en gardant l'esprit ouvert à la définition de base du métal (riffs lourds montés à 11), nous avons débattu de la frontière entre le hard rock et le métal : Motörhead et AC/DC, des groupes de hard rock qui ont enregistré des déclarations impressionnantes de fureur qui se transforment en métal, sont là, tandis que Guns N' Roses et Kiss, dont la musique porte plus un fanfaron global de hard rock, ne le sont pas. De même, vous trouverez des chansons de Def Leppard, Lita Ford et Ratt, des groupes qui ont défini une philosophie du métal à l'époque de leur sortie, même si leurs chansons ne sonnent pas aussi intenses que, disons, Emperor. Dans le cas des ancêtres du métal, comme Led Zeppelin et même Black Sabbath, qui ont évité l'étiquette "métal", nous avons sélectionné les chansons les plus métal dans leurs catalogues. Nos contributeurs ont soumis des bulletins de vote de leurs choix personnels pour les meilleures chansons de métal, nous les avons comptés et nous avons repéré quelques agréables surprises dans la façon dont le classement a ébranlé.

Alors enfilez vos gilets de combat, levez les cornes et gardez une minerve à portée de main pendant que Rolling Stone compte à rebours les 100 plus grandes chansons de heavy metal de tous les temps.

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Le blasphème a attiré l'attention pendant des siècles, mais jusqu'en 1981, le heavy metal n'avait jamais vu un groupe s'attaquer autant à Satan que les trois gars de Newcastle se faisant appeler Venom. Contrastant avec l'innovation avant-gardiste de la nouvelle vague du heavy metal britannique (alias le NWOBHM), le trio a réduit le heavy metal à sa forme la plus primitive et la plus brutale. La chanson titre de leur premier album est un classique diaboliquement durable, avec un riff méchant qui rivalisait avec "Fast" Eddie Clark de Motörhead, sans parler de certaines des paroles les plus joyeusement caricaturales que le genre ait jamais entendues. Les critiques ont été consternés, les fans de métal l'ont mangé, et bientôt une génération d'adolescents scandinaves prendrait le concept de « black metal » de Venom et courrait avec lui, directement aux portes de l'enfer. -UN B

Au début des années 90, Crowbar s'est imposé comme l'acte le plus bourru de la scène métal animée de la Nouvelle-Orléans. Mais "Planets Collide", le premier morceau du cinquième album du groupe, Odd Fellows Rest en 1998, a montré qu'il y avait bien plus dans le guitariste-chanteur-chef d'orchestre Kirk Windstein que ne le suggérait son visage hurlant et grimaçant de MTV. La chanson a remplacé le coup de poing infusé de hardcore de l'ancien Crowbar par une magnifique marche mélodique brumeuse, sans aucun doute informée par l'amour constant de Windstein pour l'or AM des années 70, tandis que le chanteur a échangé son aboiement signature contre un croon graveleux alors qu'il racontait la lutte de sa sœur contre la toxicomanie. Le résultat a peut-être été la première ballade de power sludge-metal et le modèle de la "musique lourde et émotionnelle" qui est depuis devenue une marque de fabrique de Crowbar. —HS

Tout dans Power Trip criait retour en arrière - de leur mariage de bon goût entre hardcore et thrash, en s'appuyant sur l'âge d'or du soi-disant "crossover", jusqu'à leur police de couverture d'album de style 1987. Mais leur intelligence de composition et leur livraison férocement intense se sont combinées pour créer un véritable hymne de la nouvelle école avec "Executioner's Tax (Swing of the Axe)", la vedette de leur LP 2017, Nightmare Logic. "Allez-y et regardez-vous / Aujourd'hui est votre jour de chance", a craché le leader Riley Gale dans les premières lignes, visant la stupeur soporifique qui cache la tristesse de la vie moderne. « Le bourreau est là, et il est prêt à te faire payer ! Après le décès tragique de Gale en 2020, de nombreuses reprises de "Swing of the Axe" ont vu le jour, dont une mettant en vedette des membres d'Obituary, un groupe adoré par le regretté chanteur, consolidant le statut de la chanson en tant que standard de métal moderne. —HS

Le prog et le punk hardcore semblaient autrefois être des opposés musicaux polaires, mais à la fin des années 90, une poignée d'actes innovants avaient trouvé un moyen de combiner la complexité du premier style avec la fureur du second. « 43% Burnt » de The Dillinger Escape Plan – du premier album historique du groupe du New Jersey en 1999, Calculating Infinity – est devenu quelque chose comme une chanson thème pour le mouvement connu plus tard sous le nom de mathcore. L'éclat de la chanson réside dans son contraste entre le craquement groovy et hochant la tête de ses pannes de serre-livres et la folie frénétique de sa section médiane, dans laquelle des coups pointillistes impairs se heurtent de front à des passages jazz-fusion aux tons clairs. Le guitariste Ben Weinman a dit plus tard à Decibel de l'ère Calculating Infinity que "la seule façon d'obtenir de l'énergie à partir de trucs techniques était de le faire comme une mitrailleuse vous frappant dans la poitrine", et "43% Burnt" était l'archétype de cette approche largement imitée. —HS

Combinant le bruit sourd de NWOBHM avec le culot du rock & roll classique, le single de Girlschool de 1980 offrait un salut à deux doigts charmant et arrogant aux opposants du monde entier. Le message de la chanson de rester concentré face à la négativité – que vous fassiez des changements de vie indispensables ou que vous preniez simplement votre verre – résonnerait à n'importe quelle époque, mais le fait qu'elle soit livrée par un groupe entièrement féminin (qui l'a enregistré à une époque où de telles choses étaient encore une nouveauté relative) lui donne un coup de pouce supplémentaire. De même, faites quelques pistes brûlantes de Kelly Johnson, qui reste l'un des guitaristes les plus sous-estimés de l'époque. —DE

Robb Flynn a joué un rôle important dans la scène thrash du milieu des années 80, mais la plus grande contribution du guitariste-chanteur au canon du heavy metal est venue à la tête de Machine Head, le groupe qu'il a fondé en 1991 après avoir quitté Vio-lence. "Davidian", le morceau d'ouverture des débuts du groupe en 1994, Burn My Eyes, a cristallisé le son de la lourdeur des années 90 avec un sens sismique du groove et un riff central presque industriel, qui combinait brillamment des accords de puissance menaçants et des harmoniques perçantes. La chanson s'est inspirée du siège de Waco en 1993 - au cours duquel plus de 80 membres du culte religieux Branch Davidian ont été tués par les forces de l'ordre au Texas - mais les paroles de Flynn sur la catharsis violente sont suffisamment générales pour s'appliquer à presque tous les scénarios de dépassement de l'oppression. —HS

Helmet est sorti de l'underground noise-rock, faisant ses débuts sur le label punk de Minneapolis Amphetamine Reptile avec l'assaut aux yeux froids de Strap It On des années 1990, fusionnant le bruit orchestré, la précision du métal, les signatures temporelles délicates, les riffs d'avalanche et l'aboiement du sergent mosh pit du chanteur-guitariste Page Hamilton. "J'ai vraiment aimé les trucs bruyants et j'ai vraiment aimé les trucs funky. J'aime vraiment AC / DC et Sonic Youth et Led Zeppelin", se souvient Hamilton, "Quelque part là-dedans, il y a Helmet." Tout est venu avec une force brute glorieuse sur "In the Meantime", de leur album de 1992 Meantime, l'une des percées MTV les moins probables et les plus extrêmes de la frénésie post-Nirvana alt-rock. —JD

Du milieu des années 80 au début des années 90, les franges du métal sont devenues de plus en plus extrêmes, mais Cannibal Corpse a élevé l'obscurité à des niveaux véritablement inconfortables, façonnant des chansons qui jouaient comme des films à priser sonores. Leur plus grand morceau est une chansonnette matraquante sans relâche sur, oui, la cession du visage d'une victime impuissante avec un marteau de forgeron. La musique correspond à l'ambiance : une intro brutale mais ultra-accrocheuse en stop-time est interrompue par des rythmes explosifs de marteau-piqueur, qui cèdent la place à un break de basse habile, mais c'est le grognement quasi subsonique de Chris Barnes ("J'ai… envie de tuer… youuuuu" est l'une des seules lignes que vous pourriez peut-être déchiffrer sans feuille de paroles) qui rend "Hammer Smashed Face" aussi inébranlable qu'un clip de Faces of Death. Des millions de téléspectateurs sans méfiance auraient eu leur premier aperçu de l'air horrible, et du death metal dans son ensemble, lorsqu'il est apparu dans un cadre improbable: une scène de club du maladroit Jim Carrey de 1994 a frappé Ace Ventura: Pet Detective. —HS

Si Rob Halford est le dieu du métal, alors Doro Pesch de Warlock est la déesse du métal. Le chanteur a co-écrit l'hymne tonitruant "All We Are" avec le producteur Joey Balin après avoir quitté l'Allemagne de l'Ouest pour New York. Il est devenu un succès mondial immédiat, grâce à son refrain irrésistible et aux paroles stimulantes de Pesch, livrées dans sa marque de fabrique, le grondement multi-octave. À ce jour, Pesch reste l'une des icônes les plus appréciées du métal, une pionnière pour les musiciennes de métal du monde entier, et "All We Are" reste sa chanson phare. "Peut-être que Dieu a dit:" OK, vous avez maintenant un petit tube "", a déclaré Pesch au Classic Metal Show en 2017. "C'était un peu surprenant. Mais quand les gens chantaient dessus en studio, je pouvais dire qu'il y avait là une magie puissante. " -UN B

Dans le sillage des pionniers des années 80 comme Queensrÿche et Fates Warning, Dream Theater est devenu le leader du métal progressif américain dans les années 90. Un an après que Nirvana a sorti "Smells Like Teen Spirit" avec tous ses riffs de guitare grossièrement simples, Dream Theater s'est accroché à la technicité voyante du rock progressif, remportant de manière improbable un succès avec la mise en scène vertigineuse de leur premier single, "Pull Me Under". Une épopée habilement arrangée construite autour de la batterie au son massif de Mike Portnoy et des riffs musclés mais complexes du guitariste John Petrucci et des fioritures à la Yngwie Malmsteen, le morceau passe sans effort d'un mouvement à l'autre, faisant écho à Yes deux décennies plus tôt. Le chanteur James LaBrie énonce avec passion des paroles philosophiques verbeuses inspirées du Hamlet de Shakespeare, gardant cette composition apparemment arch accessible pendant huit minutes passionnantes. -UN B

Chuck D de Public Enemy avait besoin d'être convaincu que "Bring the Noise", un single du chef-d'œuvre révolutionnaire du groupe de rap de 1988, It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, pouvait fonctionner comme une chanson de métal. Ensuite, le batteur d'Anthrax, Charlie Benante, lui a envoyé une démo de leur vision destructrice de haut-parleurs. Il a cliqué avec le rappeur à cause des interprétations de guitare inventives des thrashers des échantillons de la chanson originale et de la prise en direct de Benante sur le rythme "Funky Drummer" du stickman Clyde Stubblefield de James Brown. Cela faisait tellement de bien que les deux groupes décidèrent de prendre la route ensemble, montant la première tournée de rap-métal, au cours de laquelle ils interprétèrent la chanson en live. "Même avec Anthrax qui battait leurs guitares à travers le numéro – quand nous sommes descendus en direct, j'ai coupé cet enfoiré comme une scie circulaire", se souvient Chuck D dans le livre The Sound of the Beast. "George Clinton a dit : 'Merde, tu es l'une des rares personnes que je connaisse qui puisse casser un ampli Marshall dans le cul.'" —KG

Le Mike Muir qui s'est insurgé contre les écoles, les églises et une mère qui n'honorerait pas sa simple demande de "juste un Pepsi" sur "Institutionalized" ressemblait à un adolescent pleurnichard par rapport à la dynamo irrépressible qu'il incarne sur "You Can't Bring Me Down", le morceau qui a solidifié la transformation de Suicidal Tendencies de skate punks hyperactifs des années 80 en acte de métal sophistiqué des années 90. Écrite par Muir et le guitariste Rocky George, la chanson passe d'arpèges sombres et clairs à un tempo furieux, alors que le leader martèle le message central de la chanson de défi polyvalent, tout en tirant beaucoup de ses one-liners amplifiés brevetés. "Et si je t'ai offensé, oh, je suis désolé", plaisante-t-il vers la fin, se préparant à couronner l'un des meilleurs hymnes du majeur de tous les temps du métal, "mais peut-être que tu as besoin d'être offensé. Mais voici mes excuses. Et encore une chose … Va te faire foutre!" —HS

River Runs Red, le premier classique de Life of Agony en 1993, raconte la vie d'un jeune homme qui se décolle au cours d'une seule semaine horrible, et l'ouverture de l'album "This Time" établit une trame de fond clé, détaillant la frustration du protagoniste avec son père peu fiable. La chanson présente le mélange singulier qui a fait du quatuor new-yorkais l'un des groupes les plus frais du début des années 90, mettant en scène des riffs musclés et hardcore contre le style vocal émotif et mélodique de Mina Caputo. « J'ai du temps, mais tu n'as pas de temps pour moi », gémit-elle amèrement pendant la partie médiane de la chanson, amenant l'angoisse intergénérationnelle de l'album – que le bassiste-parolier Alan Robert a décrit comme « fondamentalement mon journal » – à un point culminant précoce déchirant mais cathartique. —HS

At the Gates est né de Göteborg, en Suède, résumant la révolution du death metal mélodique de la ville portuaire avec leur chef-d'œuvre de 1995, Slaughter of the Soul. Le cri tourmenté du leader Tomas Lindberg n'a jamais frappé aussi fort que dans la chanson titre. "Il y avait quelque chose de beaucoup plus hardcore dans ce que j'écrivais par rapport à avant", a déclaré Lindberg à Revolver. "Toutes les mentions de dragons et de Vikings ont disparu. Je me suis concentré sur la vraie vie et les problèmes sociaux. C'était plus terre à terre et moins mythique." Moins d'un an plus tard, At the Gates a choqué tout le monde en rompant à son apogée artistique. Mais leur influence reste vaste - vous pouvez entendre "Slaughter of the Soul" dans le rugissement des groupes de metalcore américains, de Lamb of God à As I Lay Dying. —RS

Le motif central de "21st Century Schizoid Man", le morceau d'ouverture du premier classique de King Crimson en 1969, In ​​the Court of the Crimson King, est un concurrent sérieux pour le titre du plus grand riff de proto-métal. C'est une figure doom et fanfaronne, rehaussée par le sens du swing du guitariste Robert Fripp et du batteur Michael Giles, qui a inspiré Pete Townshend à le surnommer, dans une publicité contemporaine du label, "le riff le plus lourd qui ait été moyennement fréquent sur ce disque vinyle noir depuis le 8e de Mahler". Les paroles anti-guerre poétiques mais troublantes de Peter Sinfield (contenant des lignes comme "Blood rack, barbed wire/Politicians' funerar bûcher/Innocents violed with napalm fire") et un effet saturé sur la voix de Greg Lake renforcent l'humeur menaçante de la chanson, faisant même des excursions instrumentales d'inspiration classique et jazz dans la section médiane de la chanson comme des expressions de pure terreur apocalyptique. —HS

Entre l'enregistrement en tant que rappeur gangsta pionnier et le rôle d'un flic à la télévision, Ice-T a été brièvement l'artiste de métal le plus controversé au monde, grâce à "Cop Killer" de Body Count, largement interdit. Mais à certains égards, "There Goes the Neighborhood" (du même album) était un défi plus flagrant car c'était une chanson de métal, jouée par des musiciens noirs, qui défiait vocalement les attitudes racistes des fans de métal. "Ne savent-ils pas que le rock est réservé aux blancs ?" Ice-T chante de manière moqueuse, avant que le reste de Body Count ne montre sa maîtrise des styles de métal, du riffage lent de style Sabbath au thrash à plein régime en passant par le shred à la Van Halen. Parfois, bien jouer est la meilleure revanche. —JDC

"C'était notre chanson la plus normale", a déclaré Rob Zombie à propos de l'entrée grand public de White Zombie. "Une chanson qu'une personne normale pourrait apprécier." Même en 1992, très grunge, "Thunder Kiss" était un succès troublant, son groove d'une simplicité sans vergogne agrémenté du cri perçant qui trahissait les racines de la scène noise new-yorkaise du groupe. Au-dessus des sirènes de police et des extraits de films B, Zombie grogne et balbutie son mythe de la création, un paria de l'école d'art - né en 65, bien sûr - qui s'amuse sur les Harleys, l'horreur et le satanisme vigoureux. "Demon-warp prend vie", tousse-t-il dans le refrain, annonçant avec prévoyance son arrivée comme l'un des derniers mecs du métal à devenir un pilier de la culture pop. —GHC

Une représentation sobre des horreurs de la guerre qui ressemble néanmoins à un appel aux armes triomphal, "World Eater" de Bolt Thrower est propulsé par le galop dur, le riff charnu et le grognement souterrain de Karl Willetts. Un solo de midsong grinçant et des blast beats impitoyables ne font qu'ajouter au chaos. C'est un excellent exemple de l'attitude héroïquement intransigeante du groupe de death metal britannique. "La fierté est le plus important", a déclaré le guitariste Gavin Ward à un intervieweur en 2002. "Nous savions très tôt que Bolt Thrower ne serait jamais un grand groupe, car nous n'aurions jamais de voix commerciales. Nous ne jouerions jamais le jeu. Nous ne nous inclinerions jamais." —KK

Lorsque Kittie a fait irruption sur la scène métal en 2000, les jeunes Canadiennes (qui avaient toutes entre 15 et 18 ans à l'époque) ont été immédiatement placées sur un piédestal hérissé en raison de leur statut de « groupe de filles », une étiquette qu'elles méprisaient. Leur premier album, Spit, était un mélange attachant de thrash, de grunge, de death metal, de rock alternatif et de pure rage adolescente. Sa chanson titre est un hymne proto-féministe meurtrier qui vise les misogynes et décroche un coup fatal en moins de trois minutes. Plus que quiconque à l'époque, Kittie comprenait le pouvoir qu'ils exerçaient. "Il y a quelque chose de magique à propos de Spit en général", a déclaré Lander en 2021. "Vous pouvez sentir notre jeunesse, notre colère, toutes ces émotions qui ont fait de Kittie ce que nous étions à l'époque." —KK

Il a fallu à Twisted Sister une décennie de concerts autour de New York dans les années 70 pour qu'ils arrivent à "We're Not Gonna Take It", qui présente l'intro de batterie la plus accrocheuse depuis "Rock and Roll" de Led Zeppelin et l'un des crochets les plus phénoménaux du métal. "Je viens de l'école Alice Cooper de 'School's Out', 'I'm Eighteen'", a déclaré Snider à NPR. "Et Alice était très grande sur ces chansons anthémiques. Alors je voulais écrire un hymne pour que le public lève les poings en l'air dans une juste colère." Snider and Co. a fait passer son message dans un clip vidéo inoubliable qui est rapidement devenu un pilier de MTV grâce à son sens de l'humour et au look New York Dolls du groupe sous stéroïdes. Snider a rapidement commencé à héberger le prédécesseur de Headbangers Ball de MTV, Heavy Metal Mania, mais la bulle a éclaté après avoir témoigné aux audiences du PMRC, adoucissant son image publique, même si tenir tête à Tipper Gore était l'acte ultime de remettre en question l'autorité. -UN B

"My Own Summer (Shove It)" a été le premier single du deuxième album de Deftones, Around the Fur, et allait non seulement devenir le hit révolutionnaire du groupe, mais aussi définir le son du nu metal pour les décennies à venir. C'est une classe de maître dans la construction de tension, avec une guitare pulsante sous la performance silencieuse et bruyante du chanteur Chino Moreno. Et à une époque de colère brute dans le genre, Deftones a mené le peloton avec des paroles intelligentes et complexes ("L'ombre est un outil, un appareil, un sauveur/Voyez, j'essaie de regarder vers le ciel/Mais mes yeux brûlent (nuage)") qui ont rendu des chansons comme celle-ci aussi dynamiques et révélatrices qu'elles étaient simplement profondément attrayantes à jouer à plein volume. —BS

Les groupes de métal ne sont pas connus pour admettre leur vulnérabilité, mais au début des années 80, les membres d'Accept de l'Allemagne de l'Ouest étaient assez intelligents pour reconnaître leurs limites, alors ils ont demandé à leur manager, Gaby Hauke, qui parlait mieux l'anglais que ses clients, d'écrire des paroles pour eux. Elle a fini par écrire des visions choquantes de la masculinité toxique – sexe, violence, dystopie – pour leur album Balls to the Wall, et la chanson titre est un hymne bouillonnant de l'époque de la guerre froide. Les guitares twin lead sont tranchantes comme des rasoirs ; Udo Dirkschneider, vêtu de camouflage, mène la charge avec sa voix de gargouillement de gravier et ses dents grinçantes effrayantes ; la production évoque le cuir, le chrome et l'acier ; et les paroles de Hauke ​​regorgent d'images provocantes de torture, de sodomie, de tas de cadavres et de révolte. Grâce à une vidéo mémorable et à certains des meilleurs riffs d'AC/DC, la chanson est devenue un classique instantané. -UN B

Converge a fait irruption dans un territoire tabou dans "Concubine", faisant du bruit metalcore brutaliste à partir de l'épave d'une relation dysfonctionnelle. La chanson ne dure que 80 secondes, mais c'est tout ce dont Converge a besoin pour faire de "Concubine" un modèle pour la catharsis émotionnelle déchaînée de leur classique de 2001, Jane Doe. Le groupe a commencé dans la scène punk hardcore du Massachusetts, mais a évolué vers un noyau mathématique métallique, avec Jacob Bannon hurlant son angoisse poétique à faire frire les amygdales sur les polyrythmies décalées. Bizarrement, quand Converge l'a enregistré, ils étaient dans le même studio qu'une certaine légende du soft-rock des années 70. "James Taylor était en face de nous", a déclaré le bassiste Nate Newton à Decibel. "Et il n'arrêtait pas d'envoyer son ingénieur pour nous dire de nous taire. 'M. Taylor essaie d'enregistrer des pistes vocales, et vous faites des bêtises et vous faites beaucoup trop de bruit ici.' " Mais "Concubine" apporte toujours le feu et la pluie. —RS

S'ouvrant sur un tourbillon de retours sur des basses vibrantes et des tam-tams martelants, "Jesus Christ Pose" est avant tout un assaut sonore, Soundgarden dans sa plus brutale intensité. Mais il y avait les mots "Jésus-Christ" dans le titre, alors bien sûr, certaines personnes étaient impatientes d'être offensées. Bien que le chanteur Chris Cornell ait expliqué à Spin que la chanson était en fait une critique des célébrités prétendant être des victimes - "C'est à peu près une chanson non religieuse mais exprimant son irritation en voyant cela" - son clip rempli de crucifix a néanmoins été tiré par MTV. Mais vous n'avez pas besoin de visuels lorsque vous avez des sons aussi expressifs que la guitare poignardante de Kim Thayil derrière les cris de Cornell "Saved! Saved! Saved!" —JDC

Les Bathory étaient des pionniers de la scène black-metal suédoise, et "A Fine Day to Die" de Blood Fire Death de 1988 brille sombrement comme leur meilleur moment. La soif de sang lo-fi et les solos frissonnants qui ont défini le son des débuts du groupe sont au premier plan, et pourtant vous pouvez déjà les entendre dépasser le style qu'ils viennent d'inventer pour créer le son explosif lié à Valhalla connu sous le nom de métal viking. C'est une bête hybride qui rassemble le meilleur de Bathory dans une épopée de huit minutes qui parvient à transcender un genre qu'elle vient juste de définir. —KK

Les ballades puissantes de Bon Jovi "18 and Life" et "I Remember You" ont catapulté Skid Row au succès grand public en 1989, mais "Youth Gone Wild" avait déjà conquis une grande partie de la foule du métal. Bien qu'écrit par le guitariste leader du groupe Dave "Snake" Sabo et la bassiste Rachel Bolan, c'est le chanteur charismatique et à grande gueule de Skid Row, Sebastian Bach, qui a transformé "Wild" en un hymne à la rébellion. Il a chanté des couplets comme "Je n'ai jamais joué selon les règles, je ne m'en suis jamais vraiment soucié / Ma mauvaise réputation m'emmène partout" avec une telle férocité, alors qu'il se pavanait et grondait, que c'est devenu une performance de star. "Quand j'ai rejoint le groupe, j'ai eu le tatouage de 'Youth Gone Wild' sur mon bras avant que nous ayons un contrat d'enregistrement, avant que nous ayons un manager", a déclaré Bach à Guitar International. "J'ai cru en cette chanson de tout mon cœur avant tout le monde." -UN B

Obituary a livré le summum du death metal dans toute sa splendeur. Sur leur deuxième album, Cause of Death des années 1990, les Floridiens des marais ont affiné (un peu) leur son depuis leurs premières éclaboussures, mais ont conservé les grooves suintants, la fanfaronnade sudiste, la vitesse sporadique et les riffs percutants. Le chanteur Donald Tardy a déclaré: "C'est l'album qui a vraiment fait comprendre aux enfants ce que signifient les deux mots quand ils disent" death metal "", et son joyau, l'hymne sanglant "Chopped in Half", est l'idéal platonique du death metal des années 90 - une ode incroyablement lourde, infestée de basses et infestée de thrash pour couper littéralement un gars en deux. Saigner! —KK

Thudding et dance-y, le single de Rammstein en 1997 était une percée mondiale improbable à l'ère du nu metal. Cela amènerait des millions d'adolescents à apprendre au moins une expression allemande, s'ils ne parlaient pas déjà ze Deutsch. Le jam industriel a un côté goth rave, avec son rythme piétinant et quelques pannes techno dans la moitié arrière. Le guitariste Richard Kruspe notera que la chanson parle de loyauté, en particulier du type d'engagement de type mariage que le groupe s'est fait l'un envers l'autre. C'est aussi accrocheur que difficile, avec un attrait de masse choquant qui conduirait une superstar de la pop comme Lizzo à le couvrir joyeusement cette année. —BS

"You Suffer" de Napalm Death a fait bouillir le grindcore jusqu'à son identité primordiale et sans retenue. Le morceau vient des débuts du groupe britannique en 1987, Scum, et sa durée record Guinness de 1,316 seconde a commencé comme une blague, mais est devenue une distillation parfaite du fouillis nihiliste de la fureur punk hardcore ricanante et de la vitesse maniaque du thrash qui animent les meilleurs moments de grind, tandis que ses paroles de quatre mots sont un hymne à la futilité déchirante de l'existence. Comme l'a commenté Mikael Åkerfeldt d'Opeth, qui n'est pas étranger à l'épanouissement lyrique, après que son groupe ait repris l'air lors d'une apparition au festival en 2017, "C'est tellement juste : 'Tu souffres/Mais pourquoi ?' Vous n'avez pas besoin d'être Bob Dylan." —KK

Mastodon avait déjà décidé de faire un album concept sur l'eau - contrairement à leur premier album, Remission, centré sur le feu - lorsque le batteur Brann Dailor a récupéré une copie de Moby-Dick d'Herman Melville en route pour rencontrer le reste du groupe pour une série de concerts en Europe. Il a rapidement écrit la majeure partie de la chanson basée sur la quête de vengeance aquatique du capitaine Achab, empruntant même plusieurs lignes de folie maritime directement au livre; le riff central et le pont, dit-il, sont en partie basés sur la musique pop égyptienne des années 1990. "J'étais à quelques pages seulement quand [les personnages] ont commencé à parler de la baleine comme" le mastodonte du sel de mer "", explique Dailor, interprétant la mention comme un signe. "Au moment où je suis arrivé au Royaume-Uni, j'avais préparé mon argumentaire d'ascenseur pour les gars." Ils se retrouveraient avec un coup percutant et percutant. —DF

Même si "Flying Whales" de Gojira contient des échantillons de baleines gémissant dans et autour des riffs maussades de Joe Duplantier, le chanteur-guitariste affirme qu'il n'avait même jamais vu l'un des grands mammifères avant d'écrire la chanson. Néanmoins, ce point culminant du LP révolutionnaire du groupe, From Mars to Sirius, est devenu l'un des grands hymnes écologistes du métal. Comme arraché à un manifeste climatologique-futuriste, "Flying Whales" trouve Duplantier imaginant nos plus grands animaux après qu'ils se soient enfuis vers la sécurité relative de l'espace, "surgissant de l'obscurité". La dynamique vertigineuse de la chanson et les manœuvres rythmiques mettent en lumière les enjeux de survie impliqués. "Cela peut sembler paradoxal d'avoir un message d'espoir", dira plus tard Duplantier, "et de jouer cette musique violente". Mais les groupes ont créé une voie par désespoir abject. —GHC

"Je suis né au cimetière sous le signe de la lune", ceinture King Diamond en tête de "Evil", la salve d'ouverture du premier LP de Mercyful Fate, Melissa. Avec ces paroles, les cris fracassants de King et les riffs affirmés du groupe, l'air était à la hauteur de toutes les rumeurs qui entouraient le groupe : le pied de micro de King était une croix de fémurs humains, il chantait sur un crâne nommé Melissa, et le plus effrayant de tous, ses paroles richement sataniques étaient livrées avec une solennité liturgique. "Evil" a prouvé que Mercyful Fate était un groupe qui pouvait composer aussi habilement qu'il pouvait choquer, mettant en valeur le groove, des mélodies ornées et une dynamique magistralement chronométrée qui complétait l'histoire terrifiante de King sur la nécrophilie. "Nous étions sérieux dans ce que nous faisions", a déclaré King Diamond à l'auteur Martin Popoff. "Cela n'a jamais été qu'une image. Jouer, écrire de la musique était juste à la lueur des bougies. … En studio, j'avais deux bougies pour ne voir que les paroles." -UN B

Avec son bruit sourd et ses accords dramatiques, le morceau d'ouverture du premier album éponyme de Van Halen en 1978 est considérablement plus sombre que le hard rock du bon temps pour lequel ils deviendraient plus connus. Eddie Van Halen réduit au minimum l'héroïsme de la guitare principale, comme s'il conservait des munitions pour une plus grande bataille à venir, tandis que les paroles sombres que David Lee Roth livre sur la dynamique experte de tension et de relâchement de ses camarades épousent une vision du monde endurcie de la rue en contradiction avec son personnage de Louis-Prima-in-assless-chaps. Et lorsque le puissant refrain de la chanson entre en jeu, son message de solidarité satanique semble suffisamment sérieux pour effrayer les pieux fidèles dès leur banc. —DE

Écrit à l'origine pour le groupe Sexart de Jonathan Davis, "Blind" allait non seulement présenter Korn au monde, mais aussi aider à inaugurer le règne du nu metal. Le premier single du premier album du groupe est plein de rebondissements - chaque choix musical et vocal est comme un choc. La voix tendue de Davis oscille sauvagement entre la retenue tendue et les cris sauvages. Sous sa voix se cache un son à la fois groovy et plein de boue, mais informé par le grunge et le rap qui dominaient la musique à l'époque. Non "Êtes-vous prêt ?" en musique n'a jamais été posée avec plus de nécessité et d'intensité. —BS

Quiet Riot a passé près d'une décennie à jouer dans les clubs d'Hollywood au moment où ils ont sorti leur troisième album au bon moment / au bon endroit, Metal Heath, en 1983, sécurisant leur héritage. Si la reprise Top Five de l'album "Cum on Feel the Noize" de Slade était l'appât, son hymne principal était le piège, décrochant la place du groupe dans le cœur des headbangers et propulsant l'album pour devenir le premier LP métal à atteindre le numéro un du Billboard 200. atteindre", a déclaré le bassiste Rudy Sarzo à Rolling Stone. "Ce n'était pas seulement une montée longue et régulière, mais longue et difficile." Bénéficiant d'un riff monstre du guitariste Carlos Cavazo, d'une batterie crânienne de Frankie Banali et d'une performance délirante et explosive de l'adorable grande gueule Kevin DuBrow, "Metal Health (Bang Your Head)" est encore suffisant pour vous rendre fou. -UN B

"Over My Head" est une chanson sur deux autres chansons. Comme les paroles l'indiquent clairement, il est en partie inspiré par les souvenirs du bassiste dUg Pinnick de sa grand-mère chantant la chanson gospel "Over My Head" tout en priant. (Bizarrement, "Disco Inferno" des Trammps fait également référence à ce spirituel.) Mais comme il l'a dit à Greg Prato, Pinnick pensait aussi à "Let Love Rule" de Lenny Kravitz lors de l'écriture de la chanson, en particulier la façon dont Kravitz recule quand il arrive au refrain. "C'était la première fois que j'entendais un refrain décevant, mais ça marche." Comme c'est le cas ici, où King's X opte pour le groove au lieu de se laisser aller à un refrain anthémique avec des résultats délicieusement éthérés. —JDC

Malgré la nature noire de leurs compositions doom, les rois du mope metal de Brooklyn Type O Negative et leur imposant chanteur, Pete Steele, adoraient une bonne blague. Leur premier single majeur, "Black No. 1 (Little Miss Scare-All)" de 1993, en est un exemple classique : raconté par Steele dans son ronronnement de baryton riche et velouté, il envoie tous les tropes gothiques les plus schlocki avec un sérieux étudié, de Nosferatu à Lily Munster, sur une bande-son grandiose de clavecin, de basse vrombissante et de riffs rock endiablés. "Type O Negative l'a poussé au nième degré. Il fallait tout prendre avec des pincettes", se souvient Greg Mackintosh des compagnons de tournée de Type O Paradise Lost. "Black No. 1 (Little Miss Scare All)", qui a commencé comme un hommage ironique à une ex-petite amie, s'est terminé comme un moment emblématique du métal gothique américain. —KK

Souvent considéré comme le premier groupe de heavy metal américain (et très probablement au monde), le motard préféré de Bay Area Blue Cheer a battu Black Sabbath dans les charts de deux ans avec cette reprise brutale et brutalement déformée de l'hymne d'aliénation pour adolescents d'Eddie Cochran, ouvrant la voie à d'innombrables groupes de stoner, de doom et d'autres groupes de tremblements de terre. "Blue Cheer a fait une impression durable sur ce jeune batteur", a déclaré feu Neil Peart à Rolling Stone en 2009, "et a définitivement joué son rôle dans l'élaboration des débuts de Rush - un puissant trio puissant avec une forteresse d'amplis, des canonnades de batterie et la voix aiguë d'un bassiste essayant de percer l'obscurité. " —DE

Ce groupe de San Jose, en Californie, est peut-être mieux connu pour avoir créé Dopesmoker, un album concept composé d'une seule chanson de 63 minutes. Mais c'est l'ouverture glorieuse et plus funeste de Sleep's Holy Mountain de 1993 qui a la particularité de présenter la souche la plus pure de leur son alimenté par le pot. Commençant par le riff de guitare "Into the Void" de Matt Pike, cet hymne aux guerriers cosmiques qui "chevauchent le dragon vers l'œil cramoisi/battent des ailes sous le ciel rouge de Mars" est un bong de sludge metal et de science-fiction et de tropes fantastiques - imaginez un personnage dans une peinture de Frank Frazetta prenant vie et attrapant une Gibson Les Paul à l'écoute entre les coups de monstre. "Il y avait un culte évident pour Black Sabbath", admet Pike, en ce qui concerne le modèle sonore de la chanson. "Mais nous écoutions aussi beaucoup de dub… et fumions des quantités infinies d'herbe." —DF

Ce point culminant de l'album révolutionnaire d'Arch Enemy en 2003, Anthems of Rebellion, est un artefact passionnant du boom du death-metal mélodique des débuts. La batterie battante de Daniel Erlandsson, les guitares épaisses de Michael et Christopher Amott et (surtout) la voix crachant du venin d'Angela Gossow se combinent pour offrir à la fois élévation et menace, encourageant l'auditeur à s'autonomiser et à foutre la merde en même temps. Sur le papier, une ligne comme "Dans cette mer de médiocrité/Je peux être n'importe quoi/Tout ce que je veux être" pourrait ressembler à une banale platitude d'affirmation de soi - mais lancée depuis le larynx brûlé par l'enfer de Gossow, cela ressemble à une putain de menace. —DE

"Je suis dans ce groupe à cause de tout ce que je déteste dans tout le monde", a déclaré le batteur de Slipknot, Joey Jordison, à Rolling Stone en 2000. Véritables enfants du maïs, les neuf mutants de Slipknot sont sortis de l'Iowa à la fin des années 90 avec leurs masques effrayants et leurs concerts à couper le souffle, et ont fait de leur extrémisme époustouflant l'attraction la plus explosive de l'Ozzfest. Ils ont résumé leur vision du monde haineuse de tout avec une fureur succincte sur le maelström nu-metal "People = Shit", une déclaration indéniable de misanthropie tribale et d'autodétermination paria. —JD

"Freezing Moon", l'un des hymnes emblématiques du black metal, a connu de sérieuses difficultés de croissance avant sa sortie officielle en 1994. Le leader du groupe, Dead, un Suédois qui a rejoint les innovateurs norvégiens du black metal Mayhem en 1988, a écrit ses paroles du point de vue d'un fantôme vengeur, mais il s'est suicidé en 1991 avant que le groupe ne puisse l'enregistrer en studio. Alors Euronymous a fait appel à l'un des chanteurs préférés de Dead, le black-metal hongrois OG Attila Csihar de Tormentor, pour tenter le coup. Le résultat – avec son riff funèbre, sa poésie cryosphérique et ses tambours à bascule – a fait un monument du grindcore que les groupes de black-metal aspirent à copier depuis. Mieux encore: le solo gratuit d'Euronymous est un merveilleux paroxysme sur les rythmes entraînants du batteur Hellhammer, une célébration sans sentimentalité de la très souffrance que Mayhem avait déjà et continuerait à endurer. —GHC

Au milieu des années 80, le thrash était déjà légèrement subversif, mais au Brésil, qui sort à peine de 21 ans de dictature militaire, des groupes de thrash comme Sepultura étaient carrément subversifs. Sepultura, cependant, a non seulement prospéré dans son environnement, mais a réussi à suggérer un sentiment de fierté nationale en renforçant son style de guitare thrash avec un groove percussif dérivé de la musique brésilienne traditionnelle. Pourtant, lorsque le guitariste Max Cavalera a vu la phrase "Refuse/Resist" sur la veste en cuir d'un Black Panther, un son est immédiatement venu à l'esprit. « Cela m'a rappelé une émeute », a-t-il dit à Kerrang ! "Des voitures brûlent et à l'envers, de la merde partout, du chaos partout. Quand je l'écoute et que je ferme les yeux, je peux voir une émeute même maintenant." —JDC

Un miracle de la 11e heure, "The Cry of Mankind" a évolué à partir du guitariste Calvin Robertshaw tapotant du doigt la mélodie d'ouverture étrange de la chanson (qui dure éternellement à travers la chanson de 12 minutes) et construisant chaque partie au fur et à mesure que les sombres de My Dying Bride les ont devinés. Même après que la partie "chanson" de l'épopée doom-metal se soit transformée en une atmosphère lourde, ils ont essayé de nouvelles choses alors que le chanteur Aaron Stainthorpe jouait la corde inférieure d'un violon à cinq cordes pour évoquer le cor d'un navire lugubre. L'effet est à la fois sombre et romantique, alors que Stainthorpe - ivre de Byron, Keats et Shakespere - gémit comme un vampire solitaire sur les riffs écrasants de ses camarades. "Je me suis dit : 'Plutôt que d'écrire sur les sujets typiques du heavy metal - le diable, le sang, les tripes et les femmes maltraitées - pourquoi n'écrirais-je pas sur quelque chose de plus stimulant ?'", a-t-il déclaré à Decibel. "Je suis sûr que certaines personnes pensaient que mes paroles étaient de la merde et pas très heavy metal, mais… je voulais écrire sur des sujets puissamment émotifs." -KG

Au lendemain de la mort tragique du guitariste aux doigts de flotte Randy Rhoads en 1982, il était impératif qu'Ozzy Osbourne trouve un joueur capable de livrer le même flash, et il a trouvé un fleuron parfait en Jake E. Lee comme entendu sur la chanson titre de leur premier album ensemble, Bark at the Moon. "Le titre de cette chanson vient d'une blague que j'avais l'habitude de dire où se trouvait la ligne de frappe, 'Mange de la merde et aboie à la lune'", se souvient Osbourne dans ses notes de doublure The Ozzman Cometh. "C'était la première chanson que [Jake et moi] avons écrite ensemble." Construit autour d'un riff distinct et staccato qui combinait muscle et mélodie avec une dextérité choquante, "Bark at the Moon" a brillamment interprété le surnom de "Prince of Darkness" d'Osbourne avec des paroles qui se lisent comme un film d'horreur Hammer, et son clip sur le thème du loup-garou a conquis une nouvelle génération de métalleux. -UN B

"Caffeine" est la chanson la plus lourde et la plus ébouriffante d'Angel Dust - l'album magistral de Faith No More de 1992 sur, comme l'a dit le batteur Mike Bordin, "les beaux et les malades". Musicalement, il déploie une version métal du vieux truc Holland-Dozier-Holland consistant à associer un son optimiste à un message triste. "Caffeine" est un peu plus dépravé que Motown. "Versez la honte sur nous tous / durcissez en une croûte", hurle Mike Patton. Au fur et à mesure que la chanson progresse sur le dos de la guitare blues-rock pulvérisée de Jim Martin et des synthés théâtraux de Roddy Bottum, Patton plonge le style Hamlet dans la folie. Il aurait écrit la chanson au milieu d'un exercice de privation de sommeil qui, dans une sorte de méthode d'action, lui a permis d'incarner l'objet de son mépris : la société en pilote automatique. "Les cafés et les restaurants à ordures blanches étaient parfaits pour l'inspiration", a déclaré Patton à Circus en 1992. —SG

Def Leppard est sorti de la NWOBHM, mais ils ne sont pas restés très longtemps dans ce monde. Aussi physiquement présentables que n'importe quel groupe de New Wave, avec des crochets aussi gros que leurs riffs, chevauchant le glissement en téflon de la production de Mutt Lange sur leur percée de 1983, Pyromania, ces clowns du rock & roll sont devenus la quintessence du groupe pop-metal des années 80, étendant la portée de la musique à des gens qui ne se seraient pas trouvés à moins d'un mile country d'une chanson de Motörhead. "Photograph" était leur grande percée aux États-Unis, avec son son de cloche qui se pavanait, la tournure avenante de Joe Elliott sur le cri standard du gars du métal et une jolie mélodie mélancolique sur le refrain. Personne n'a jamais mieux compris la formule du fluff-dog. —JD

Au moment où Tool commençait à assembler leur deuxième long métrage, Ænima, le chanteur Maynard James Keenan cherchait des moyens de changer sa façon d'écrire cathartique et primale. Cela l'a amené à faire "beaucoup de recherches ésotériques, à lire beaucoup de livres de mathématiques et de psychologie". Le résultat a été un morceau remarquable qui touche à l'idée jungienne de l'ombre de soi et au concept du philosophe New Age Drunvalo Melchizedek d'une mutation génétique qui signalerait une humanité plus "unifiée". Comment mieux évoluer qu'avec une chanson sur une évolution littérale ? "'Forty Six & 2" propose également une syncope stop-start qui tue, et l'une de leurs lignes de basse les plus rythmées, grâce au sang frais du groupe : le nouveau bassiste Justin Chancellor. "Il a écrit la plupart des riffs sur 'Forty Six & 2'", dit le batteur Danny Carey, "et si vous revenez écouter les prises, vous pouvez dire qu'il y a beaucoup d'énergie spontanée là-bas." —DF

Une épopée tentaculaire de 13 minutes, "Deliverance" résume parfaitement les diverses impulsions musicales qui trouvent leur place dans le son de ce quatuor suédois. Premièrement, il y a la structure en plusieurs parties de type suite dans laquelle le groupe change d'ambiance, de textures et de mètres toutes les minutes environ; puis il y a le contraste entre les impulsions prog du groupe et son côté death-metal, parfaitement reflété par les voix Jekyll et Hyde de Mikael Åkerfeldt - d'un côté, un doux ténor de Greg Lake, de l'autre, un Cookie Monster grognant. Propulsé par l'attaque à double coup de pied du batteur Martin Lopez, le groupe sonne comme un monstre, mais ne vous y trompez pas. Comme Åkerfeldt l'a admis, "les groupes de rock anglais, ils pourraient probablement nous battre n'importe quel jour". —JDC

"Je suis fondamentalement une personne faible", a dit un jour Justin K. Broadrick de Godflesh, "généralement assez nerveux et très, très faible." Le groupe de métal industriel de Birmingham, en Angleterre, a parfaitement capturé cette agitation interne – et a proposé un plan pour le potentiel impressionniste du métal – sur "Slateman". La boîte à rythmes sur le morceau est comme un animal mécanique sans pitié, et les guitares sauvages, étrangement étouffées, sont tout aussi vicieuses. Mais c'est la voix lointaine de Broadrick, enfouie dans le limon, brouillée par le vent, qui est la plus frappante, semblant de plus en plus blessée au fur et à mesure que la chanson avance. "Slateman" est la chanson de métal rare qui vous surmonte par sa vulnérabilité plutôt que par sa puissance. —GHC

Contributeurs : Adrien Begrand, JD Considine, Grayson Haver Currin, Jon Dolan, Dan Epstein, David Fear, Sarah Grant, Andy Greene, Kory Grow, Kim Kelly, Rob Sheffield, Hank Shteamer, Brittany Spanos